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1892 年的《VOGUE》記錄舞會、婚禮與紐約上流社會；134 年後，2026 Summer Issue 裡出現移民、原住民族、德州社群、藝術家與足球員。從兩期美國《VOGUE》，回看一本時尚雜誌觀看美國的方式如何改變。

時尚雜誌裡的攝影都是 Fashion Editorial 嗎？從 Cindy Sherman、Martin Parr 到 Wolfgang Tillmans、Takashi Homma，解析攝影藝術進入時尚雜誌後的不同形式。

深瀨昌久的《鴉》提供了一個非常少見而完整的案例。1976 至 1982 年間，《鴉》以八個篇章陸續刊登於日本攝影雜誌《Camera Mainichi》；1986 年，這批作品重新編輯出版為攝影書《鴉》（Ravens）。

技術上的畫面缺陷，在藝術創作上有脈絡的加分，但在商品與名人必須清晰的商業或時尚攝影裡，不是主流審美的基準。

這篇以 Jennie 同年登上的三本雜誌 Editorial 為例，探討不同刊物如何建立各自的 Editorial Identity。

Photo Essay 發展於新聞與紀實攝影的脈絡之下，Editorial Photography 則更多成形於時尚、生活與文化刊物；然而，它們都建立在相同的編輯觀念上：一組照片的意義，來自彼此之間的關係，而非單張影像。

一本雜誌可以定義時尚，也會影響照片美學、版面設計與讀者的閱讀方式。我們可以說，一百年的時尚史，同時也是 Editorial Photography 的演化史。 雖然 Editorial Photography 同時應用於新聞、生活與文化等各類刊物，時尚雜誌長期投入大量資源於影像製作、藝術總監制度與版面設計，也是攝影師、藝術總監與編輯持續實驗閱讀形式的重要場域，於是時尚雜誌仍是理解 Editorial 發展最完整的切入點。 這篇將以不同年代的經典時尚雜誌作為參照，沿著百年出版史，逐步閱讀 Editorial Photography 的演化。 1890–1920：服裝就是主角 十九世紀末以前，多數時尚刊物仍以服裝插畫為主要視覺。隨著半色調印刷技術成熟，以及《Vogue》創刊、《Harper's Bazaar》持續發展，攝影逐漸取代插畫，成為時尚出版的重要媒介。 《Harper's Bazaar》封面，1915 這時期照片的任務十分單純：展示服裝；畫面的閱讀重心完全放在服裝剪裁、布料與輪廓，人物不是角色，也沒有故事。照片的價值，在於清楚呈現服裝，此時尚

這三條脈絡的媒介發展，共同構成了今天我們所理解的 Editorial Photography，也讓刊物中的攝影，從單張照片發展成透過影像序列、文字與版面共同完成的閱讀形式。

如果說歐美時尚雜誌建立了現代 Editorial Photography 的編輯語法（將於第三講細說），那麼日本生活風格雜誌則發展出另一種截然不同的敘事方式：降低敘事壓力。

Editorial Photography（刊物編輯攝影）長期存在於生活雜誌、時尚刊物與文化媒體之中，卻在繁體中文語境裡較少被系統性梳理。